Archivo de la categoría: Historia del Arte

Museo de Arte Carrillo Gil, propuestas de arte visual para diferentes públicos

El Museo de Arte Carrillo Gil (MACG) localizado al sur del la Ciudad de México, en la zona de San Angel, ha abierto un conjunto de exposiciones que contribuyen a la investigación y exhibición de su propia colección, así como a difundir nuevas expresiones que tienen que ver más con corrientes de arte contemporáneo.

La primera exhibición se títula Alegorías del mal gobierno, una lectura de la colección del MACG curada por el cineasta norteamericano Jesse Lerner; Tiempo compartido, que reúne a los colectivos: Entre minas, Palmera Ardiendo e Invasorix; Adpocalypse, del artista brasileño Lucas Lugarinho, y la intervención que Israel Urmeer realizó sobre la valla exterior del recinto: ¡Pop sin azúcar! El valle encantado. De esta forma y con estas variadas aperturas, el MACG ofrece una imagen resiliente y vital de las artes visuales a favor de sus diversos públicos.

Caín en los Estados Unidos” David Alfaro Siquieros, 1947.
Alegorías del mal gobierno MACG, 2021

Alegorías del mal gobierno

Exposición que estará abierta hasta el 22 de mayo de 2022, se enmarca en el programa MACG Colección presentado en el primer piso del museo; desarrollada por el curador norteamericano invitado Jesse Lerner, académico, cineasta y escritor, cuya obra fílmica ha participado en festivales internacionales de cine. Esta muestra que se planeó en el año 2019 para presentarse en su momento en el 2020, toma como punto de partida la conocida pintura mural Alegoría del buen y el mal gobierno, la cual se encuentra en el palacio municipal de Siena, Italia, hecha por Ambrogio Lorenzetti artista representante del gótico italiano, en el siglo XIV.

Alegoría del mal gobierno” 1338, Ambrogio Lorenzetti, Siena Italia.

La temática mundana de esta obra prerrenacentista, resultó única en su tipo en aquel contexto, y época, significando un cambio dentro del sistema de representación en el arte. Se trató de una crítica al gobierno en turno, por medio de distintas figuras religiosas que encarnaban a los vicios y virtudes humanas. El mural se compone de dos secciones: la primera presenta al gobierno como el bien común, con imágenes sobre la paz, la concordia, la generosidad y la justicia; en la segunda se transforma en un monstruo de cabeza cornuda, rodeado de escenas que representan la tiranía, la avaricia, el fraude, el conflicto y otros vicios. Esta pieza está en el Salón de los Nueve o salón del Consejo, del palacio Municipal de Siena, trabajada entre los años 1338 y 1339.

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Animales de compañía, vistos a través de los ojos del arte en Museo Nacional de San Carlos

“Los niños guardando la caza”, 1836 tomado de una pintura de Tony Robert-Fleury
  François Théodore Ruhierre. MNSC – INBAL.

Una exploración sobre el origen y desarrollo de nuestra sensibilidad hacia los animales que nos han acompañado durante los últimos siglos, como un signo evidente de un cambio cultural en el que las mascotas comenzaron a considerarse parte de nuestras familias, se presenta en la exposición La historia que nos une. Animales de compañía en el arte, la cual se podrá apreciar en el Museo Nacional de San Carlos hasta el 20 de marzo de 2022.

Se exhiben piezas realizadas desde el siglo XVI hasta el XX, las cuales permiten comprender la evolución de las representaciones de los animales de compañía en el arte occidental y su importancia dentro de los distintos estilos pictóricos.

Ya sea como emblema de alguna divinidad o alegorías de virtudes y defectos humanos, su presencia es muestra de una larga y rica historia del simbolismo animal en las representaciones artísticas de hombres, mujeres y niños. A partir del siglo XVIII, no obstante, se dejó de deificar o vilificar a algunos animales —perros y gatos, específicamente— gracias a actitudes más terrenas y prácticas que permitieron incorporarlos como compañeros cariñosos, leales y desinteresados, lo que marcó el origen de actitudes fundamentales hacia el arte, la vida y los sentimientos que hoy siguen vigentes.

“Nupcias” 1879, Cesare Agostino Detti. MNSC – INBAL

Compuesta de óleos, grabados, fotografías, objetos de la vida cotidiana e imágenes publicitarias —procedentes de diversas colecciones privadas e institucionales—, la muestra se organiza en cinco núcleos temáticos que permiten comprender la transformación de las representaciones visuales que hemos construido alrededor de este vínculo.

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RevelARTE: El Grito, 1893, Edvard Munch

-Revelar- Este verbo significa: ‘descubrir o manifestar lo ignorado o secreto’. Su etimología es bastante clara: en este caso, el prefijo re‑ significa ‘lo opuesto a’ (como en «rechazar» o «repugnar»), mientras que la raíz verbal está directamente emparentada con el sustantivo «velo». Por tanto, si «velar» significa: ‘poner un velo’, «revelar» significa: ‘quitar un velo’. Su significado es toda una astucia del idioma y por esto, decidimos utilizar este verbo para darle nombre a este espacio, que no es otra cosa que la revelación de los secretos ocultos o pequeñas curiosidades que logran hacer una pieza de arte algo relevante, o bueno mejor dicho, algo RevelARTE.

La obra “El Grito” de Edvard Munch es quizá una de las obras de arte más reconocidas del mundo. El Museo Británico en 2019, anunció que después de diversos estudios y pese al nombre del cuadro, en realidad el protagonista no está gritando, sino que se está tapando los oídos al escuchar ese gran grito. Esta es uno de tantos secretos del cuadro, que te presentamos en esta edición de RevelARTE.

Edvard Munch: un artista en conflicto

Para comprender un poco mejor la obra de Edvard Munch (1863-1944), debemos fijarnos en su infancia. Munch se enfrentó a la muerte a una edad muy temprana: su madre murió de tuberculosis cuando solo tenía 5 años, y perdió a una de sus hermanas por la misma enfermedad cuando solo tenía 13. Poco tiempo después, otra de sus hermanas sufrió de depresión severa y la padeció de por vida, mientras que su hermano murió repentinamente de neumonía solo unos meses después de su matrimonio.

Traumatizado por estas sucesivas tragedias, Munch a menudo se veía afectado por la depresión, que suele ser visible en su trabajo. Sus obras de arte a menudo tratan temas de angustia, melancolía, miedo, muerte y dolor. En sus propias palabras, quiso expresar “los estados de ánimo más sutiles” a través de la pintura.

Edvard Munch, “La niña enferma”, 1885, 119,5 x 118,5 cm
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RevelARTE: La virgen del canciller Rolin, 1437, Jan van Eyck

-Revelar- Este verbo significa: ‘descubrir o manifestar lo ignorado o secreto’. Su etimología es bastante clara: en este caso, el prefijo re‑ significa ‘lo opuesto a’ (como en «rechazar» o «repugnar»), mientras que la raíz verbal está directamente emparentada con el sustantivo «velo». Por tanto, si «velar» significa: ‘poner un velo’, «revelar» significa: ‘quitar un velo’. Su significado es toda una astucia del idioma y por esto, decidimos utilizar este verbo para darle nombre a este espacio, que no es otra cosa que la revelación de los secretos ocultos o pequeñas curiosidades que logran hacer una pieza de arte algo relevante, o bueno mejor dicho, algo revelARTE.

Esta quinta entrega de RevelARTE se enfocará en una época donde los colores eran mucho más fuertes de lo usual, los temas eran básicamente religiosos, con efectos tridimensionales en las proporciones y la composición y con una perspectiva muy curiosa de mantener el punto de vista hacia arriba. Toda esta producción pictórica, enmarcando la vida cotidiana, remarcando la belleza material, los detalles y el paisaje: nos referimos a la pintura flamenca. Dicho movimiento inició en el siglo XV, en la tierra de Flandes, Bélgica, como la “Escuela de los primitivos flamencos”. 

“Retrato de hombre con turbante rojo” 1433, un muy posible autorretrato de van Eyck. National Gallery, Londres
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Nomen Liber: Diego, el rojo. Guadalupe Rivera Marín

Novela que trata sobre la vida de Diego Rivera en su infancia y vida adolescente, donde se narra la historia, que su propia hija armó gracias a una beca de la Fundación Rockefeller, a través de cartas y muchas anécdotas familiares. Donde se muestra la influencia decisiva del padre de Diego en su formación y de cómo éste empezó a pintar a los 3 años. Y también se puede leer la vida de la familia Rivera en Guanajuato, para llegar después a la capital mexicana a una vecindad en la zona de puente de Alvarado.

Esta obra retoma la referencia de la famosa anécdota, de cuando Diego Rivera es nombrado junto con Roberto Montenegro, ganadores del primer premio a una beca anual para estudiar pintura en el extranjero, por ser ambos, los mejores alumnos de la Academia de Bellas Artes. Lo que al final se decidió por medio de un “volado” con una moneda, el cual lamentablemente perdió Rivera.

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RevelARTE: El festín de Baltasar, 1635, Rembrandt van Rijn

-Revelar- Este verbo significa: ‘descubrir o manifestar lo ignorado o secreto’. Su etimología es bastante clara: en este caso, el prefijo re‑ significa ‘lo opuesto a’ (como en «rechazar» o «repugnar»), mientras que la raíz verbal está directamente emparentada con el sustantivo «velo». Por tanto, si «velar» significa: ‘poner un velo’, «revelar» significa: ‘quitar un velo’. Su significado es toda una astucia del idioma y por esto, decidimos utilizar este verbo para darle nombre a este espacio, que no es otra cosa que la revelación de los secretos ocultos o pequeñas curiosidades que logran hacer una pieza de arte algo relevante, o bueno mejor dicho, algo revelARTE.

Para algunos pintores de diferentes épocas, inspirarse en imágenes religiosas o simplemente ilustrar pasajes bíblicos, que demostraran la fe y devoción hacia su religión, era demasiado importante. Es por ello que encontramos constantemente cuadros religiosos; sin embargo, no todos siguen esta regla. Esto fue lo que pasó con Miguel Ángel al pintar la Capilla Sixtina en El Vaticano. Fue una labor más por obligación, que por amor a la religión. 

En esta cuarta edición de RevelARTE nos transportamos a la época del barroco nuevamente. Ahora es el turno del gran pintor Rembrandt, nacido en Leiden, Países Bajos, conocido por su gran técnica del claro oscuro, quien ilustró un pasaje bíblico del Antiguo Testamento, no tan conocido: “El festín de Baltasar”, realizado entre los años 1635-68, fechas paraelalas a la obra de nuestro anterior edición de RevelARTE, “La rendición de Breda” de Diego Velázquez.

Antes de abordar el tema, conozcamos un poco de la vida y los inicios del pintor: su nombre completo es Rembrandt Harmenszoon van Rijn, nació en el año 1606 en una familia acomodada y falleció en 1669 en la ciudad de Amsterdam. Fue pintor y grabador de la época barroca, estudió pintura en la Universidad de Leiden para ejercerla más adelante de forma ferviente; tuvo dos profesores que lo ayudaron a seguir su camino: el primero, Jacob van Swanenburch y gracias al segundo, Pieter Lastman, su influencia italiana se transmite en cada uno de sus cuadros.

Rembrandt van Rijn, 1606-1669.
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Símbolo y Reino, tres grandes colecciones de arte novohispano en MUNAL

La exposición Símbolo y reino. Tres grandes colecciones novohispanas, integrada por 60 obras pictóricas provenientes de tres diversos museos que son: Museo Nacional de Arte MUNAL (INBAL), Museo Nacional de Historia – Castillo de Chapultepec (INAH) y el Museo Soumaya – Fundación Carlos Slim, abre al público en las instalaciones del MUNAL (Tacuba 8, Centro Histórico, CDMX), hasta finales de noviembre de 2021. Esta colaboración tripartita, tiene la finalidad de exponer algunos de los elementos simbólicos y alegóricos presentes en las obras de diversos artistas novohispanos, cuyos discursos, en su conjunto, articularon el pensamiento y la devoción en los siglos virreinales.

Mediante el trabajo de grandes pinceles de la talla de Andrés de Concha, Baltasar de Echave Orio, Luis Juárez, Antonio Rodríguez, Juan Rodríguez Juárez, Cristóbal de Villalpando y Miguel Cabrera, entre otros artistas, estas colecciones darán cuenta de temas bíblicos, relatos hagiográficos, pasajes mitológicos grecorromanos e historia profana. 

Alfonso Miranda, director del Museo Soumaya señaló que estas piezas, 20 aportadas por cada museo, se exhiben juntas por primera vez.

Santísima Trinidad – Museo Soumaya
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Archivo infinito, -verdadero o falso-, en torno a la obra de arte “San Juan Bautista niño”

El Museo Nacional de San Carlos, localizado en la Ciudad de México y que parte de la Red de Museos INBAL, presenta la exposición Archivo infinito de una pintur en duda. El caso de María Morelli, exhibición que consta de pinturas, esculturas, grabados y fotografías, relacionadas con la obra San Juan Bautista niño (ca. 1855-57), originalmente atribuida al famoso artista francés Jean-Auguste-Dominique Ingres.

Lo interesante de esta muestra que estará abierta al público hasta el 26 de septiembre de 2021, es la exploración sobre la autoría y validación de una obra de arte, y que junto con el tema actual sobre el mercado de piezas de arte en venta o exhibición en museos, se genera un discurso llamativo y una investigación muy interesante.

“San Juan Bautista Niño”, óleo sobre lienzo, 150 x 82.5 cm. Bajo luz visible se aprecia la capa de restauración que deja ver por debajo numerosas craqueladuras, la paleta de color es muy sencilla; blanco, rosado, negro, y ocres. Bajo una observación cercana, se alcanzan a ver los repintes de la restauración de 1980.

La exposición la conforman cuatro núcleos incluyendo más de 70 obras de artistas como: Eugenio Landesio, Juan Bellido, Károly Markó, Francesco Podesti, Pietro Tenerani, Francesco Coghetti, Henri Fantin-Latour, Johann Wilhelm Cordes y Giovanni Brocca, entre otros, además de 50 piezas de arte objeto, videos y diversos documentos.

La exposición es el resultado de un proceso de investigación colaborativa entre la Secretaría de Cultura y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura con el Programa en Estudios Curatoriales de la Maestría en Historia del Arte de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), el cual que permitió incidir en problemas importantes para la historia del arte y con esto, resaltar los procesos de conformación de un acervo como el del Museo Nacional de San Carlos.

Museo Nacional de San Carlos, Av México-Tenochtitlán No. 50
Col. Tabacalera, CDMX
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RevelARTE: La rendición de Breda o Las Lanzas, 1635, Diego Velázquez

-Revelar- Este verbo significa: ‘descubrir o manifestar lo ignorado o secreto’. Su etimología es bastante clara: en este caso, el prefijo re‑ significa ‘lo opuesto a’ (como en «rechazar» o «repugnar»), mientras que la raíz verbal está directamente emparentada con el sustantivo «velo». Por tanto, si «velar» significa: ‘poner un velo’, «revelar» significa: ‘quitar un velo’. Su significado es toda una astucia del idioma y por esto, decidimos utilizar este verbo para darle nombre a este espacio, que no es otra cosa que la revelación de los secretos ocultos o pequeñas curiosidades que logran hacer una pieza de arte algo relevante, o bueno mejor dicho, algo revelARTE.

“La rendición de Breda” o “Las Lanzas”, Diego Velázquez, 1635.

A mediados del siglo XVI surgió un periodo bastante extravagante, contrastante -entre la luz y la sombra-, recargado, pesimista, complejo y con mucho dramatismo. Nos referimos al periodo “Barroco”, término tomado del portugués antiguo, que se refería a un tipo de perla de forma irregular. Esta expresión artística finalizó en el siglo XVIII y coincide un poco con el Renacimiento italiano, por eso tienen diversas similitudes entre sí.

En esta tercera entrega de RevelARTE, hablaremos de un artista bastante importante nacido en España, de nombre: Diego Rodríguez Silva y Velázquez, mejor conocido como Diego Velázquez (Sevilla 1599 – Madrid 1660). Sus inicios en la pintura transcurrieron en Sevilla, su ciudad natal, realizando bodegones, cuadros religiosos, tabernas, escenas de cocina. Su maestro y posteriormente suegro, Francisco Herrera, impulsó la idea de que Velázquez se relacionara con las personas importantes en Madrid para así, obtener un cargo más alto. A partir de esas ideas, viajó a Madrid y fue llamado por el conde duque de Olivares, para elaborar retratos del rey Felipe IV. Gracias a esta oportunidad, sus pinturas y estilo original logró trascender y alcanzar la fama, al grado que en siglos siguientes es reconocido por otros conocidos artistas, como Edouard Manet que lo halaga llamándolo: “Pintor de pintores”. 

Diego Velázquez, autorretrato, circa 1645.

A Velázquez lo recordamos por el estupendo cuadro de “Las Meninas” 1656; sin embargo, en esta ocasión no hablaremos de esta gran obra, sino de “Las Lanzas” o también nombrado como “La rendición de Breda” (3.07 x 3.75 mts), que actualmente se encuentra en el Museo del Prado de Madrid, España. Inspirado en un hecho histórico que sirvió también para crear varias obras literarias y pictóricas. La batalla tuvo lugar el 5 de junio de 1625.

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¿Quién era David Alfaro Siqueiros? Serie documental en TV UNAM

David Alfaro Siqueiros. Murió en la ciudad de Cuernavaca, Morelos, y sus restos descansan en la rotonda de las personas ilustres en el Panteón Civil de Dolores, CDMX.

David Alfaro Siqueiros (Ciudad Camargo, Chihuahua, 29 de diciembre 1896 – Cuernavaca, Morelos, 6 de enero de 1974) es uno de los personajes fundamentales del arte mexicano, que reflejó su militancia política en cada una de sus obras. Junto a Diego Rivera y José Clemente Orozco, hizo del muralismo mexicano una corriente artística reconocida a nivel mundial.
 
Para conocer la vida, el contexto y el proceso artístico de Siqueiros, TV UNAM estrena la serie documental¿ Quién era David Alfaro Siqueiros?, de la investigadora Irene Herner. La cual se transmitirá todos los miércoles, a partir del 21 de julio, a las 9:30 pm TCM, con retransmisión los domingos, a las 6:30 pm. A través de las señales en 20.1 de TV abierta, 120 de Axtel, Sky, Dish y Megacable o el 20 de Izzi y Totalplay.

La serie documental ¿Quién era David Alfaro Siqueiros? está construida a partir de más de dos mil documentos, pinturas, fotografías y filmaciones que dan cuenta de la vida, el contexto y el proceso artístico de Siqueiros, autor de una obra poderosa en el siglo XX. Un artista público, moderno, experimental, nacionalista e internacional, que realizó obra mural en México y en el extranjero. Padre del arte callejero y del Action Painting. Logró integrar al lenguaje de la pintura, los nuevos lenguajes de la animación de Disney y del cine. Destacó por ser el más arriesgado de los muralistas a nivel estético y técnico, ya que no se limitó al fresco, también investigó el uso de nuevos materiales como la fibra de vidrio y técnicas como los escultomurales.
 
Al mismo tiempo, fue un creador que participó apasionadamente como soldado, militante comunista y artista revolucionario en el espíritu dramático del siglo. Durante la serie, se hará una revisión de la Revolución mexicana desde la perspectiva de Siqueiros como artista y soldado. Sobre la miseria y la destrucción que generó este conflicto armado y sobre el conjunto de pintores que, con el patrocinio del gobierno, construyó una propuesta artística identitaria. 

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