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Cine Extra: Oscar a la vista

Alberto Rojas-Eguiluz
Twitter: @albertodre

Es la semana de los Oscares y aunque no premian necesariamente a lo mejor del cine, todos los amantes del séptimo arte estaremos al pendiente de lo que sucederá el próximo domingo. Lo que me gusta de esta fastuosa entrega de premios es que suele ser el mejor ejemplo de cómo crear controversia. Ternas de tres a cinco nominados (dependiendo la categoría) y una con 10 (mejor película) sólo dejan claro que no se le va a dar gusto a todos ni en las nominaciones ni en los premios.

Creo que nunca habrá una entrega de reconocimientos que logre unificar criterios, y por eso mismo, quise hacer mis predicciones de lo que sucederá la noche del domingo en los Oscares de una manera particular. Primero, daré mi pronóstico, luego quién me gustaría que ganara y finalmente, el mejor en la categoría que no fue nominado. No estoy inventando el hilo negro, es sólo que si tuviera la oportunidad de hacer mis propios Oscares mandaría fabricar más estatuillas porque habría más de un ganador por categoría.

Debido al espacio, solamente escribiré de las categorías más populares. Es así como el columnista de Cine-xtra repartiría premios si estuviera en sus manos.

Mejor Película

Mi pronóstico: EL DISCURSO DEL REY. Esta cinta tiene todo lo que se necesita para llevarse el Oscar: está basada en un hecho no solamente real, sino histórico; es una historia de superación, tiene trabajo de ambientación y excelentes actuaciones. Red social tiene posibilidades, pero no creo que la academia esté lista para reconocer a una película de ese estilo como la mejor del año; Temple de acero podría ser el caballo negro, pero todo indica que El discurso del rey se llevará el Oscar merecidamente.

Me gustaría que ganara… Cisne negro. Antes que nada, admito que soy fan del trabajo de Darren Aronofsky, director de esta maravilla. La manera en que se adentra en los rincones más oscuros de la psique humana es fascinante y posiblemente este sea su mejor trabajo hasta la fecha. El origen es otra cinta que me encantaría ver que se alzara con el Oscar, pero fue ya una sorpresa que la academia la nominara a mejor película, pues no suele ser tan aventurada en sus nominaciones con cintas tan revolucionarias.

La mejor película no nominada… El escritor fantasma. Más allá de la discusión acerca de si Roman Polanski merece o no estar en una celda junto al J.J., demostró que sigue siendo uno de los mejores narradores de historias que tiene el cine. Tal vez por haber salido a mitad del año no llegó con el empuje necesario para conseguir la nominación, pero indudablemente fue una de las 10 mejores cintas del año. Sigue leyendo

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Cine Extra: La mitad del mundo, la nueva cara del cine mexicano

Alberto Rojas-Eguiluz
Twitter: @albertodre

A pesar de que al cine mexicano le hace falta recorrer un buen tramo para consolidarse dentro del gusto del público, hay realizadores con menos renombre que Carlos Carrera o Alejandro González Iñarritu que demuestran que tienen la calidad suficiente como para hacer películas entretenidas que además dejan espacio para reflexionar. Un ejemplo de esto es La mitad del mundo, de Jaime Ruiz Ibáñez, cinta seleccionada como ganadora en el programa de óperas primas del Centro Universitario de Estudios Cinematográficos

Después de cinco cortos, Ruiz Ibáñez por fin pudo producir un largometraje y salió muy bien librado en su debut. La otra mitad del mundo cuenta la historia de Mingo, un joven con un ligero retraso mental que es cuidado por su madre y que está despertando sexualmente en un pueblo en el que la mayoría de las mujeres no cuenta con la atención de los hombres, ya sea por la migración o por la rutina del matrimonio. Lo que parece ser una historia divertida termina por dar un giro inesperado. Mingo es un personaje tan inocente que cae en lo cómico, la relación con su madre, a quien ayuda a repartir el pollo en el pueblo, es sumamente curiosa, pues es ella quien termina orillándolo a que se conozca sexualmente, y con esto, Mingo experimenta una serie de eventos, como convertirse en el juguete sexual de las mujeres del pueblo.

Una de las principales virtudes de Ruiz Ibáñez es la claridad con la que cuenta la historia. A pesar de tener ases guardados bajo la manga, no se preocupa por avisar que los tiene (un vicio que apenas empieza a desaparecer del cine mexicano), simplemente los usa. Además, no se complica con excesos ni explicaciones innecesarias. En los primeros minutos teje inteligentemente los hilos de lo que, posteriormente, será una tragedia inevitable que dejará por sentado muchos vicios de la sociedad mexicana, como la doble moral y la corrupción. Sigue leyendo

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Cine Extra: La ciencia de un buen remake

Alberto Rojas-Eguiluz
Twitter: @albertodre

Cuando escuché que los hermanos Coen harían el remake de un western, no me gustó la idea. Pensé que este par de genios había sido presa de la criticable tendencia hollywoodense de filmar películas que ya se habían hecho y en la que ya han caído otros grandes, como Martin Scorsese. ¿Cuál sería la explicación para algo así? ¿falta de creatividad? ¿la presión que ejerce el tratar de quedar bien con Hollywood?, pero luego me dije: son los Coen, si hay alguien que merece el beneficio de la duda son ellos.

Lo que parecía un movimiento conservador fue en realidad un riesgo sin precedentes en la carrera de estos cineastas. No se trataba de filmar una cinta que se había hecho en otro idioma, en otra parte del mundo y que, en consecuencia, el público estadounidense no conocía del todo. La película a rodar era Temple de acero (True grit), un western clásico filmado en 1969 por Henry Hathaway que le dió el Oscar a mejor actor a John Wayne. ¿Quién demonios tiene los tamaños para decir “yo haré mi propia versión de esa película”? Pues nada menos que Joel e Ethan Coen.

A unos años de haber arrasado en cuanta entrega de premios se pararon con Sin lugar para los débiles (No country for old man) y de haber hecho uno de sus mejores trabajos en Un hombre serio (A serious man), los Coen no se iban a permitir el lujo de caer al precipicio de la mediocridad con un remake mal hecho. Para prevenirlo, no basaron su nueva versión de Temple de acero en la película de Hathaway, sino en la novela de Charles Portis, y es ahí en donde dieron el giro de tuerca que definió esta película. Sigue leyendo

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Cine Extra: El lado oscuro del cisne

Alberto Rojas-Eguiluz
Twitter: @albertodre

En sus cuatro largometrajes anteriores, Darren Aronofsky no sólo había mostrado que tenía la capacidad de narrar historias complejas de una forma directa y entendible, también demostró que no temía el llevar a sus personajes al extremo. Tanto en Pi: el orden del caos (1998), Réquiem por un sueño (2000), La fuente (2006) y El luchador (2008), Aronofsky torturó de diferentes formas a sus protagonistas, pero siempre utilizando sus propias ambiciones para hacerlo. Al final, siempre perdían el control de una forma desesperante y deprimente.

Ahora, en Cisne negro (Black swan), su más reciente producción, el director estadounidense repite la dosis pero en un contexto diferente. La torturada es Nina (Natalie Portman) una bailarina de ballet que logra el protagónico en El lago de los cisnes, gracias a su delicada interpretación del cisne blanco, pero es presionada por su director, Thomas Leroy (Vincent Cassel) y por su madre, una bailarina retirada (Barbara Hershey) para perfeccionar su interpretación del cisne negro, papel para el cual parece no estar hecha. En el proceso, Nina va descubriendo poco a poco su lado oscuro, el cual se dispara cuando se entera que Lily (Mila Kunis) la bailarina perfecta para el papel del cisne negro, es su competencia directa en la obra. Sigue leyendo

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Cine Extra: Más allá de la vida ¿Clint Eastwood es perfecto?

Alberto Rojas-Eguiluz
Twitter: @albertodre

Clint Eastwood llega a su octava década de vida en su mejor momento. Ya no es Harry “El sucio” o el vaquero frío y calculador que nada lo intimida, tampoco se para seguido frente a la cámara, pero cuando lo hace, regala actuaciones más convincentes y personajes más complejos que cuando era joven.

Ahora, el lugar desde donde hace maravillas es en la silla del director. Más allá de sus dos Oscares, su cine se convirtió en uno de los más representativos de la década recién terminada. Parece que Eastwood tiene la misma facilidad para crear clásicos como actor que como director. Los golpes de la vida, Gran Torino, Río místico o Invictus son sólo algunas joyas que ha regalado el ex alcalde de Carmel, California, en los últimos años, y ahora ofrece una película llamada Más allá de la vida. ¿Podrá seguir sacando la pelota del parque?

Aquí, Eastwood cuenta tres historias que se ven entrelazadas por la muerte: la de George Lonegan (Matt Damon), un síquico en San Francisco que trata de alejarse lo más posible de su don (o maldición, como lo ve él) para poder llevar una vida normal; Marie LeLay (Cécile De France), una celebridad del periodismo francés víctima de un tsunami que tras ser resucitada comienza a tener visiones extrañas; y Marcus (George/Frankie McLaren), un niño que vive en Inglaterra que pierde a su comapañero más querido en un accidente automovilístico.

El colmillo de Eastwood sale a relucir en la forma en la que se van conectando tres vidas que no tienen nada que ver entre sí, sólo que están en busca de respuestas; y en la secuencia inicial de tsunami, que es desesperantemente espectacular. Sigue leyendo

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Cine Extra: Los siguientes tres días

Alberto Rojas-Eguiluz
Twitter: @albertodre

Así como los Patriotas de Nueva Inglaterra fueron el equipo de la primer década del 2000, Paul Haggis puede ser considerado el guionista de la década pasada por los premios que obtuvo. Los más sobresalientes, un par de Oscares que ganó en años seguidos (el primero en la historia en conseguirlos) por sus extraordinarias historias en Alto impacto (Crash, 2004, que también dirigió) y Golpes del destino (Million dollar baby, 2005). Pues ahora, además de encargarse del guión, también estuvo en la silla del director en Los siguientes tres días, película estelarizada por Russell Crowe y Elizabeth Banks.

En la cinta, Lara Brennan (Banks) una ama de casa con carácter explosivo que parece tener la vida perfecta, cae en la cárcel acusada de haber matado a su jefa. Mientras que su esposo John (Crowe), quien se hace cargo del hijo de ambos, busca por todos los medios demostrar su inocencia hasta que se acaban sus opciones, y es cuando decide planear el escape de su mujer.

Viendo el trailer de la cinta, parece que se trata de una película de acción, pero nada más engañoso que eso. Los siguientes tres días es un filme que narra la desesperación y la obsesión de una persona por volver a juntar a su familia cueste lo que cueste y bajo cualquier precio. Sigue leyendo

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Cine Extra: La gente Vs. Biutiful

Todos los jueves en anotarte.mx, aparece publicada esta columna la cual versa sobre el amplio tema del cine, sus productos, sus actores y sus historias.

Alberto Rojas-Eguiluz
Twitter: @albertodre

La nominación a los Globos de Oro como mejor película extranjera que acaba de recibir la última cinta de Alejandro González-Iñárritu, Biutiful, estaba más que anunciada, pero también ha sido sumamente polémica, por lo menos en México.

Nadie es profeta en su propia tierra, y González-Iñárritu lo puede decir. A pesar de que sus películas son esperadas y alabadas en todo el mundo, en México es donde más se les critica. En esta ocasión, aunque hubo quienes se quejaron del tono decadente de Biutiful –repetido en sus tres producciones anteriores–, casi nadie se atrevió a decir que era una mala película, pero el hecho de que el director se haya adentrado en las entrañas de los barrios bajos de Barcelona para contar la historia de Uxbal, un mediador del comercio pirata del puerto español que vive en la pobreza con sus hijos y al que le acaban de diagnosticar un cáncer del que no se podrá liberar, parece haber molestado a muchos que navegan con la malentendida bandera del cine mexicano.

Cuando se supo que sería la película representante por parte de México para los Oscares por arriba de El infierno, de Luis Estrada, prácticamente todo el medio cinematográfico mexicano pegó el grito en el cielo. ¿Cine mexicano barcelonés?, decían muchas cuentas de Twitter de diferentes actores, productores, directores y escritores mexicanos, y claro que tienen algo de razón, pero, ¿no fue el mismo caso que el de El laberinto del fauno hace unos años, cuando estuvo cerca de traerse el Oscar a México? Sigue leyendo

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Cine Extra: la película de la semana: El ocaso de un asesino -The american-

Todos los jueves en anotarte.mx, aparece publicada esta columna la cual versa sobre el amplio tema del cine, sus productos, sus actores y sus historias.

Alberto Rojas-Eguiluz
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Cuando vi hace unos años que la película Control era dirigida por Anton Corbijn, inmediatamente me llamó la atención. Corbijn era conocido por ser el fotógrafo de cabecera de bandas como R.E.M. y Depeche Mode, después, se convirtió en director de videos de U2 y Metallica, entre otros, para posteriormente dar el salto a la silla del mandamás de la pantalla grande. Su cercanía con la música y su lente privilegiado hicieron de Control una película de culto que narraba la vida de Ian Curtis, el torturado líder de Joy Division y su fatal desenlace. Buen inicio, pero ¿podrían el director alemán filmar una película que no tuviera nada que ver con el mundo de la música? La respuesta la dio con El ocaso de un asesino (The american).

Esta cinta tenía muchos retos para Corbijn, como tratar con verdaderas celebridades del cine, como George Clooney, y enfrentarse a una historia en la que su impresionante currículum de trabajo en el medio musical no le serviría de nada. Al final, Corbijn demostró que está listo para narra la historia que le pongan enfrente.

El ocaso de un asesino trata la historia de Jack (Clooney), un asesino que tras violentar de más una asignatura, decide dar un golpe más y retirarse, pero todo parece indicar que alguien también lo está buscando para retirarlo antes de cumplir su último trabajo. Sigue leyendo

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Cine Extra: el actor, Ben Affleck

Todos los jueves en anotarte.mx, aparecerá publicada esta columna la cual versará sobre el amplio tema del cine, sus productos, sus actores y sus historias.

Alberto Rojas-Eguiluz
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Tengo que admitirlo: Ben Affleck era el actor que más evitaba en el cine. Películas como Armageddon, Gigli y Pearl Harbor lo hicieron toda una celebridad y hasta el hombre más sexy del mundo en su momento (juro que yo no lo nombré, fue la revista People), pero para mí, su nombre en la cartelera significaba que tenía que buscar otra película que ver. Lo que hizo con papeles que lo pudieron haber colocado como una actor respetable (Daredevil y Jack Ryan en la Suma de todos los miedos) provocaron en mí una fobia hacia su trabajo que me costó mucho trabajo superar.

Las únicas ocasiones en las que me había gustado ver a Ben Affleck había sido gracias a sus trabajos no actorales, concretamente, su guión en Mente indomable (por el que se llevó el Oscar junto con Matt Damon) y la dirección de Gone baby gone. Gracias a estas películas me di cuenta que Affleck no sólo no era un desperdicio, sino que tenía una manera de narrar historias que lo hacían un director y un guionista muy interesantes. Es por eso que cuando me enteré que estaba por estrenarse Atracción peligrosa (The town), su último filme y su segundo trabajo de dirección, mi fobia desapareció por completo y mis expectativas fueron muy altas. Al final no me defraudó.

Atracción peligrosa se desarrolla en Charlestown, un lugar que es históricamente famoso por sus asaltos a mano armada. Aquí, una banda de asalta bancos enmascarados, encabezada por  Doug MacRay (Aflleck), toma como rehén a la gerente de un banco (Rebecca Hall) a quien dejan libre sin hacerle daño. Para cerciorarse de que su banda no corre peligro, MacRay establece una relación con ella que acaba en romance. Pero esto no detiene a los asaltantes, que siguen operando a pesar de que la policía les pisa los talones. Sigue leyendo

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Cine-xtra La película de la semana: Los niños están bien

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Alberto Rojas-Eguiluz
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En un mundo en el que la sociedad lucha por seguir cerrada por medio de una doble moral, las minorías van ganando terreno poco a poco. ¿Quién hubiera pensado hace algunos años que la Ciudad de México y Marcelo Ebrard se convertirían en la punta de lanza de los matrimonios gay? Pues bien, realidades como ésta empiezan a dispersarse por todo el mundo, pero el cine va un paso adelante.

En la 52 Muestra Internacional de Cine, se exhibe Los niños están bien (The kids are all right), de la directora Lisa Cholodenko, donde se aborda la historia de una pareja de lesbianas que han formado una familia por medio de la inseminación artificial. Cholodenko no se mete en los choteados problemas del melodrama, prefiere ir más lejos y enfocarse en otros aspectos, que hacen que esta película sea más fresca que muchas otras que tratan el tema de las familias homosexuales.

La historia parece desarrollarse en una sociedad futurista, no por los adelantos tecnológicos, sino que en este pequeño pueblo a nadie parece afectarle que existan familias gay. Nic (Annette Bening) y Jules (Julianne Moore) llevan siendo pareja el tiempo suficiente como para tener una hija de 18 años (Joni, Mia Wasikowska) y un hijo de 15 (Laser, Josh Hutcherson). Los dos adolescentes aceptan sin problema alguno que tienen dos madres y tienen una vida equilibrada, como pasa con las familias de padres heterosexuales.

Pero las cosas comienzan a cambiar cuando Laser convence a su hermana de que hable a la clínica donde sus madres se inseminaron para saber quién es su padre biológico. Así, se ponen en contacto con el donador (Paul, Mark Ruffalo). En el encuentro, Paul hace química inmediata con Joni, mientras que Laser, a pesar de aceptarlo, es más renuente a llevarse con él. Ambos siguen teniendo encuentros con Paul hasta que Nic y Jules se dan cuenta, pero lejos de reprender a sus hijos, optan por apoyarlos y deciden conocer a quien les donó su semen años atrás. Tal cual pasó con sus hijos, Jules y Nic tendrán reacciones distintas ante Paul y poco a poco comenzará una peculiar relación familiar entre los cinco que traerá consecuencias poco agradables para todos. Sigue leyendo

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