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Globalización elástica. Pócima estridente, de Mauro Terán en la Galería José María Velasco

Iberoamérica Siglo XXI, óleo sobre lino. 2022. Mauro Terán.

Con el título Globalización elástica. Pócima estridente, desde el 22 de octubre de 2022, la Galería José María Velasco exhibe la obra del pintor Mauro Terán (Ciudad de México, 1964), la cual cierra el domingo 27 de noviembre de 2022.

Esta muestra está integrada por una serie de pinturas que el artista ha reunido a lo largo de más de tres décadas, en las que se encuentran diversas influencias, como el surrealismo pop, el dibujo y el cómic, así como una decantación por la iconografía popular mexicana y mundial.

En la inauguración de la muestra en la Galería José María Velasco

Formado en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda, el artista presenta en esta ocasión obras en las que mezcla con gran maestría elementos estéticos, como el uso de colores vibrantes y la representación de personajes relevantes del ámbito histórico, cultural y artístico mexicano para crear cuadros que interpelen al público.  

El laberinto, óleo sobre tela. 2019

Sus obras influenciadas también por el movimiento dadaísta presentan universos donde confluyen personajes como el emperador Maximiliano de Habsburgo, la actriz María Félix, el cantante Freddie Mercury, el luchador El Santo, el actor Germán Valdés Tin Tan, la pintora Frida Kahlo y el presidente Antonio López de Santa Anna, entre otros, intercalando imágenes del presente y pasado para narrar el acontecer de forma lúdica y corrosiva a la vez.

El daguerrotipo-amputación, óleo sobre tela. 2019
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Vicente Rojo: «La destrucción del orden», exposición antológica en el Museo de Arte Moderno

Museo de Arte Moderno. Martes a domingo 10:15 a 17:45 hrs CDMX

El Museo de Arte Moderno (MAM) presenta la exposición antológica Vicente Rojo: la destrucción del orden, la cual da cuenta de más de 60 años de trayectoria de quien es considerado un creador central en la renovación artística en México y Latinoamérica. Permanecerá abierta al público hasta el 5 de febrero de 2023.

La muestra fue concebida en estrecha colaboración con Vicente Rojo antes de su deceso, en marzo de 2021, mediante un proceso de interlocución con la curadora Pilar García, quien trabajó con el artista en los últimos años. Se centra en su producción pictórica y escultórica, además establece puentes con algunos de sus libros de artista —proyectos de colaboración con escritores y poetas—. Reúne obras tempranas poco conocidas con piezas indispensables en su trayectoria, procedentes de colecciones públicas y privadas, así como de su archivo personal.

El subtítulo de la exposición refiere el proceso de trabajo serial característico de Vicente Rojo, en el cual la libertad de creación supone romper con el orden previo y establecido para construir uno nuevo. Este procedimiento respondió a una disciplina autoimpuesta por Rojo, consistente en producir simultáneamente un conjunto de obras que comparten una estructura subyacente que ha de ser construida, destruida, reconstruida y reformada una y otra vez. La exposición, a su vez, rompe la forma convencional en que la obra de Vicente Rojo había sido exhibida y también incluye obra que no se había mostrado al público.

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Solo lo maravilloso es bello. El surrealismo en diálogo. Museo Boijmans van Beuningen. Museo del Palacio de Bellas Artes

Marx Ernst. «La pareja» 1923, Óleo sobre tela.

Los vínculos entre el surrealismo europeo y su vertiente mexicana se pueden revisar en la exposición Sólo lo maravilloso es bello. El surrealismo en diálogo. Museo Boijmans Van Beuningen, compuesta por 289 obras de creadores representativos de los movimientos dadaísta y surrealista, la cual se presentará en el Museo del Palacio de Bellas Artes.

Organizada por la Secretaría de Cultura y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura, y el Museo del Palacio de Bellas Artes en conjunto con el Museum Boijmans Van Beuningen de Rotterdam, Países Bajos, la muestra estará disponible al público a partir del 3 de junio y hasta el 2 de octubre de 2022 en las salas del primer y segundo piso.

El proyecto expositivo recopila exploraciones excepcionales en las ramas de literatura, pintura, escultura, fotografía y cine, con una selección de artistas como Max Ernst, Man Ray, Salvador Dalí, René Magritte, Remedios Varo, Leonora Carrington, Wolfgang Paleen, Alice Rahon, Kati Horna, y creadores mexicanos como Frida Kahlo, Agustín Lazo, Diego Rivera, María Izquierdo, entre otros.

René Magritte. «Prohibida la reproducción» 1937. Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam

Se trata de una revisión en torno a los principales temas e ideas afines al movimiento surrealista, así como un diálogo inédito entre el surrealismo europeo y su vertiente mexicana. Se destaca la formación de una comunidad de mujeres surrealistas que nutrieron su interés por el estudio de la arqueología, la antropología y diversas vertientes del ocultismo.

La curaduría está a cargo de Els Hoek, maestra en historia del arte moderno que ha producido y organizado exposiciones desde 1983, y Tere Arcq para la sección mexicana, curadora independiente, reconocida por su trayectoria internacional en proyectos sobre mujeres artistas y el surrealismo en México.

Diego Rivera. «Las tentaciones de San Antonio» 1947. Col. Museo Arte de Moderno
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Zona Maco 2022: más de 200 expositores internacionales de arte, diseño, foto y antigüedades con 57 mil visitantes totales

ZⓈONAMACO celebrará su décimo octava edición del 9 al 13 de febrero de este año en Centro Citibanamex en la Ciudad de México. Al final del evento, se contabilizaron 57 mil visitantes durante los 5 días de la feria.

Para el año 2022 ZⓈONAMACO ha renovado al equipo curatorial liderado por Juan Canela, director artístico de ZⓈONAMACO, y estará conformado por: Direlia Lazo (La Habana, 1984) como curadora de la nueva sección ZⓈONAMACO EJES; Luiza Teixeira de Freitas (Río de Janeiro, 1984) como curadora de ZⓈONAMACO SUR; Esteban King (Ciudad de México, 1986) como curador de ZⓈONAMACO ARTE MODERNO. También se suman Sara Hermann (Santo Domingo, 1969) como curadora de la feria ZⓈONAMACO FOTO, y Alfonso Miranda (Ciudad de México, 1978) como curador de la feria ZⓈONAMACO SALÓN. Cecilia León de la Barra (Ciudad de México, 1975) continúa al frente de la feria ZⓈONAMACO DISEÑO como directora artística. 

ZⓈONAMACO trabajó nuevamente con el despacho Tom Posta de Países Bajos que junto al despacho mexicano, Salinas Lasheras, diseñó un nuevo plano que contará con más de 16 mil metros distribuidos en 3 salas de Centro Citibanamex, 3 accesos distintos para los visitantes y pasillos y áreas de esparcimiento mucho más amplios. 

Dentro de las novedades para este año, se presentará por primera vez ZONAMACO EJES curada por Direlia Lazo (La Habana, 1984), una nueva sección de ZⓈONAMACO México Arte Contemporáneo que fusionó las secciones Nuevas Propuestas y Foro con un replanteamiento que se manifiesta sobre las urgencias actuales del arte como un gran diálogo entre galerías y prácticas artísticas enfocándose en galerías jóvenes. También como parte de esta sección se presentarán NFTs en un proyecto que se lanzará durante la feria y cuya información se revelará más adelante.

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Un Cauduro es un Cauduro (es un Cauduro) en el Colegio de San Ildefonso, Ciudad de México

Angeles de la conciencia, 1995. Rafael Cauduro

El próximo jueves 24 de febrero de 2022 el Colegio de San Ildefonso abrirá las puertas de una de las exposiciones más esperadas por el público: “Un Cauduro es un Cauduro (es un Cauduro)”. Esta exhibición es una de las más relevantes dentro de la agenda cultural del 2022 en la Ciudad de México –que se inaugurará dentro del marco del mes del arte, celebrando también los 100 años del muralismo en México, y que estará abierta al público hasta el 26 de junio del 2022– en donde podrás encontrar más de 156 obras de arte con un estilo y técnicas propias del artista, muchas de ellas nunca antes exhibidas y que pertenecen a su colección personal.

Viaje al norte, 1998. Rafael Cauduro. Colección Santiago Arau.

Las más de 156 obras de pequeño y gran formato, con estilo y técnicas propias del artista, distribuidas en 1,103 m², en siete salas del Colegio de San Ildefonso provocan pausas que revelan a los visitantes orígenes, recuerdos y lugares, sin la intención de prescribir un itinerario fijo que se extiende a la mirada del observador como una invitación a sumergirse entre objetos, seres y personas que emergen entre los muros de las fachadas desgastadas: común denominador de la narrativa que guía esta exposición.

El título intencionalmente reiterativo, lejos de ser una coincidencia, para Alesha Mercado, curadora de la exposición, Un Cauduro es un Cauduro (es un Cauduro) hace referencia al aforismo más famoso de Gertrude Stein, reconocida poeta estadounidense, quien escribió “Rosa es una rosa, es una rosa” en el poema “Sacred Emily”.

Pablo con trascabo, 2006. Rafael Cauduro

Hablar de Rafael Cauduro es hablar de más de 5 décadas de una trayectoria pictórica fructífera de un artista que crea y abre la posibilidad de hacer aparecer y desaparecer momentos, objetos, seres y personas de entre los muros de las fachadas desgastadas, donde el tiempo pareciera haber hecho lo suyo, encontrando en el deterioro el común denominador que desarrolla la narrativa entre cada una de sus obras. La muerte y la vida se unen de la mano en la imaginación de Rafael Cauduro sin importar si es fantasía o realidad, evidenciando el complejo testimonio que deja el paso del tiempo sobre las cosas y a través de sus creaciones. Nacido en 1950 en la Ciudad de México, Rafael de manera autodidacta se enfocó al estudio, investigación y práctica de las artes plásticas con un perfil innovador.

La balsa de medusa, 1995. Rafael Cauduro. Colección Juan Carlos y Christian Serralde

“Curiosamente, yo el deterioro no lo veo como algo negativo, yo creo que el deterioro realmente no es un deterioro, sino una continuación, un símbolo de vida, la evidencia de que las cosas están ocurriendo”

Rafael Cauduro, 1998.
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Proyecto Ruta de Arte y Cultura estrena nuevos espacios para recorrer en Centro Histórico CDMX

La Trampa Gráfica, Centro Histórico CDMX

A fines del año 2021, la Ruta de Arte y Cultura, proyecto dedicado a hacer recorridos artísticos para generar la participación de diversos espacios creativos junto con los públicos, abre una nueva opción en la zona del Centro Histórico de la Ciudad de México. El trabajo de los creadores sigue estando vivo y las personas quieren conocer más ofertas originales para ver, gozar y llevarse piezas a su casa.

El proyecto de Ruta de Arte y Cultura en la Ciudad de México, iniciado por Pablo Sierra, fotógrafo y artista, junto con Ofelia Heredia y Carlos Uzcanga; en donde también colabora el staff de Galería CenzontleNéstor Sánchez, Alma Reyna y Samuel Justo, ahora ya a fines de este año 2021, propone nuevos destinos de creación por visitar.

Recientemente se abrió la nueva RUTA CENTRO HISTÓRICO en CDMX, donde participan cuatro diferentes propuestas, a las cuales seguramente se irán uniendo algunas otras más. Todas ellas diferentes en cuanto a materiales, técnicas, colores, texturas y expresiones artísticas de talentos increíbles.

Ruta de Arte y Cultura se originó para ser una nueva opción a las conocidas dinámicas de las galerías de arte y museos, las cuales son demasiadas serias, convencionales y aburridas. Esas prácticas hacían corto circuito con la experiencia de “hacer arte”, que está llena de vitalidad, de pasión y de vida.

Taller de serigrafía, ATEA

RAC se trata de un recorrido por casas/estudios/talleres de diversos artistas de la ciudad de México, con el objetivo de reunir a personas interesadas en el arte directamente con los creadores-artistas. RAC busca fomentar el coleccionismo, crear comunidad entre los artistas y transformar la manera en la que la sociedad se relaciona con el arte. La experiencia tiene una duración aproximada de 4 a 5 horas, y se realiza los días domingo, cada 15 días; es decir, un par de fechas cada mes, de acuerdo a disponibilidad y demanda.

Proyecto de Ruta de Arte y Cultura
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Vicente Rojo. 80 años después. Exposición en Museo Universitario de las Artes de la U de G

Rutas del exilio español, 1939. Foto: MUSA

La exhibición Vicente Rojo. 80 años después. Cuaderno de viaje de Francisco Rojo Lluch en el vapor Ipanema. Burdeos-Veracruz, junio-julio de 1939, es producida por El Colegio Nacional y vio la luz por primera ocasión en 2019 en las instalaciones de esta institución en la Ciudad de México.

Luego de itinerar por varias ciudades de México, se podrá ver por última vez en Guadalajara, Jalisco en el Museo Universitario de las Artes de la Universidad de Guadalajara. Formó parte de la conmemoración de los 80 años del exilio español en México.

Con esta muestra que incluye 34 cuadros, 1 paisaje sonoro, además de facsímiles de documentos y la maqueta de un buque; el artista plástico nacido en Barcelona, recién fallecido en marzo de 2021, deja para los espectadores de su obra cuadros de pequeño formato cargados de historias que recrean la travesía marítima que su padre, Francisco Rojo Lluch, realizó desde Francia hasta México como exiliado español en el buque de vapor «Ipanema».

Los hechos históricos y los registros facsímiles son solamente una parte de las piezas artísticas, que también tienen plasmados los atardeceres, escenas del mar, componentes del barco, la arena y la playa, entre otros.

“En realidad no sabemos a ciencia cierta lo que Francisco Rojo Lluch vivió durante esa travesía, porque casi no lo habló con la familia. Vicente era un niño cuando su papá se fue, pero pudimos tener una idea bastante buena de cómo fue la vivencia de todos los que iban a bordo de estos buques a través de los diarios de abordo, de algunos documentos, de listas de pasajeros, fotografías, anotaciones, cartas, etcétera.”

Vivian Cárdenas Segura, coordinadora de exposiciones y colecciones de El Colegio Nacional.
Vicente Rojo. 80 años después en MUSA.

El catálogo

También fue presentado en la apertura de la exhibición, y es el resultado de la misma. Durante el evento estuvieron presentes: Teresa Vicencio, secretaria administradora de El Colegio Nacional; Amanda de la Garza, directora general de Artes Visuales de la Coordinación Cultural UNAM (de forma virtual) y la Maestra María Fernanda Matos Moctezuma, investigadora y gestora cultural.

Junto con ellos, el secretario de la coordinación de extensión y difusión cultural de la Universidad de Guadalajara, Francisco García Martínez también estuvo presente. También en el acto inaugural se contó con la presencia del Cónsul General de España en Guadalajara, Miguel Mahiques Núñez; y diversos integrantes de la comunidad española en Guadalajara. Maribel Arteaga Garibay, directora del MUSA también asistió.

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Cine Extra: Bob Ross, casualidades, traiciones y avaricia

Por Alberto Rojas Eguiluz @albertodre

Cuando se estrena un documental acerca de Bob Ross, la primera idea que viene a la mente es ¿cómo fue que el instructor de arte más famoso del mundo, desarrolló su técnica al grado de poder hacer un paisaje detallado en solo 30 minutos?

Pero de eso no trata esta historia. Si bien, se llega a tocar el tema de manera fugaz, el director Joshue Rofé, que produjo también las miniseries documentales: Sasquatch (2021) y Lorena (2019), se centra más a la oscura relación que tuvo el pintor nacido en Florida, Estados Unidos, con sus socios, el matrimonio Kowalski.

Una de las intenciones genuinas de Bob Ross con su programa de televisión, era poder ayudar a la gente que se sentía triste y deprimida a que se salvara por medio de la pintura, y justo una de esas personas fue Anette Kowalski, quien superó así la pérdida de su hijo. Lo que comenzó como una relación de muchísima estima, se convirtió después en un negocio propuesto por Anette y su esposo para comercializar la imagen de Ross.

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Museo de Arte Carrillo Gil, propuestas de arte visual para diferentes públicos

El Museo de Arte Carrillo Gil (MACG) localizado al sur del la Ciudad de México, en la zona de San Angel, ha abierto un conjunto de exposiciones que contribuyen a la investigación y exhibición de su propia colección, así como a difundir nuevas expresiones que tienen que ver más con corrientes de arte contemporáneo.

La primera exhibición se títula Alegorías del mal gobierno, una lectura de la colección del MACG curada por el cineasta norteamericano Jesse Lerner; Tiempo compartido, que reúne a los colectivos: Entre minas, Palmera Ardiendo e Invasorix; Adpocalypse, del artista brasileño Lucas Lugarinho, y la intervención que Israel Urmeer realizó sobre la valla exterior del recinto: ¡Pop sin azúcar! El valle encantado. De esta forma y con estas variadas aperturas, el MACG ofrece una imagen resiliente y vital de las artes visuales a favor de sus diversos públicos.

«Caín en los Estados Unidos» David Alfaro Siquieros, 1947.
Alegorías del mal gobierno MACG, 2021

Alegorías del mal gobierno

Exposición que estará abierta hasta el 22 de mayo de 2022, se enmarca en el programa MACG Colección presentado en el primer piso del museo; desarrollada por el curador norteamericano invitado Jesse Lerner, académico, cineasta y escritor, cuya obra fílmica ha participado en festivales internacionales de cine. Esta muestra que se planeó en el año 2019 para presentarse en su momento en el 2020, toma como punto de partida la conocida pintura mural Alegoría del buen y el mal gobierno, la cual se encuentra en el palacio municipal de Siena, Italia, hecha por Ambrogio Lorenzetti artista representante del gótico italiano, en el siglo XIV.

«Alegoría del mal gobierno» 1338, Ambrogio Lorenzetti, Siena Italia.

La temática mundana de esta obra prerrenacentista, resultó única en su tipo en aquel contexto, y época, significando un cambio dentro del sistema de representación en el arte. Se trató de una crítica al gobierno en turno, por medio de distintas figuras religiosas que encarnaban a los vicios y virtudes humanas. El mural se compone de dos secciones: la primera presenta al gobierno como el bien común, con imágenes sobre la paz, la concordia, la generosidad y la justicia; en la segunda se transforma en un monstruo de cabeza cornuda, rodeado de escenas que representan la tiranía, la avaricia, el fraude, el conflicto y otros vicios. Esta pieza está en el Salón de los Nueve o salón del Consejo, del palacio Municipal de Siena, trabajada entre los años 1338 y 1339.

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Animales de compañía, vistos a través de los ojos del arte en Museo Nacional de San Carlos

«Los niños guardando la caza», 1836 tomado de una pintura de Tony Robert-Fleury
  François Théodore Ruhierre. MNSC – INBAL.

Una exploración sobre el origen y desarrollo de nuestra sensibilidad hacia los animales que nos han acompañado durante los últimos siglos, como un signo evidente de un cambio cultural en el que las mascotas comenzaron a considerarse parte de nuestras familias, se presenta en la exposición La historia que nos une. Animales de compañía en el arte, la cual se podrá apreciar en el Museo Nacional de San Carlos hasta el 20 de marzo de 2022.

Se exhiben piezas realizadas desde el siglo XVI hasta el XX, las cuales permiten comprender la evolución de las representaciones de los animales de compañía en el arte occidental y su importancia dentro de los distintos estilos pictóricos.

Ya sea como emblema de alguna divinidad o alegorías de virtudes y defectos humanos, su presencia es muestra de una larga y rica historia del simbolismo animal en las representaciones artísticas de hombres, mujeres y niños. A partir del siglo XVIII, no obstante, se dejó de deificar o vilificar a algunos animales —perros y gatos, específicamente— gracias a actitudes más terrenas y prácticas que permitieron incorporarlos como compañeros cariñosos, leales y desinteresados, lo que marcó el origen de actitudes fundamentales hacia el arte, la vida y los sentimientos que hoy siguen vigentes.

«Nupcias» 1879, Cesare Agostino Detti. MNSC – INBAL

Compuesta de óleos, grabados, fotografías, objetos de la vida cotidiana e imágenes publicitarias —procedentes de diversas colecciones privadas e institucionales—, la muestra se organiza en cinco núcleos temáticos que permiten comprender la transformación de las representaciones visuales que hemos construido alrededor de este vínculo.

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